¡Basta!

El arte frente a la crisis ambiental

Hace tiempo que los niveles de polución, devastación y catástrofe ya no pueden
ocultarse: los vemos y sentimos de cerca, nos alcanzan y afectan. Durante el año
en curso, la pandemia tocó las puertas de todas las casas del mundo y los
múltiples focos de incendio en nuestro país, por ejemplo, se han aferrado a la tierra
mientras la consumen y avanzan amenazadoramente sobre ella sin darnos pistas
de hasta cuándo o hasta dónde seguirán. Este llamado de atención, a su vez, fue
desenmascarando el rol indiscutible de la actividad humana como responsable de
tal depredación. Ya no podemos recurrir más a la excusa del desconocimiento ni a
la despreocupación.

Ante esta condición, la práctica artística –que no tiene miedo de dudar, de conocer
y de reconocer– pone a nuestro alcance vías de reflexión y de imaginación diversas
en un entramado que vincula la extenuación natural, la ambición y el miedo, con
posibilidades de cambio y de renovación, de repensar los términos de la justicia
ambiental y social. La mirada del arte –a veces más crítica e incisiva y otras, más
poética– colabora con el reconocimiento del daño que ejercemos sin tregua sobre
la tierra, nuestra casa. Pero también invita a restaurar relaciones de respeto y de
empatía hacia todo lo que nos rodea.

Situados en un momento de la historia en el que pareciera no haber forma de
escapar del desastre y en que los sueños de cambio se esconden tras el humo de
los incendios o bajo el agua de las inundaciones, el arte se presenta como una

Nicolás García Uriburu

Nicolás García Uriburu, Basta de contaminar, Riachuelo, 1999. Fotografía de la acción de denuncia en
el Riachuelo, que incluyó un telón de 5 x 10 mts y la coloración de las aguas realizada en colaboración
con Greenpeace. Cortesía Azul García Uriburu

Bosquejo

Nicolás García Uriburu, boceto del proyecto en el Riachuelo Basta
de contaminar
, 1999. Colección Azul García Uriburu.

práctica liberadora. Con sus formas de re-educar la percepción y aclarar el contacto
existente entre el entorno y nuestro propio cuerpo, con sus formas gentiles pero
reveladoras de desnudar las circunstancias que a veces no podemos observar, con
la confianza que aún inyecta sobre el destino del mundo, el arte se planta en nuestra
tierra como un tutor emocional e intelectual que busca guiar un nuevo crecimiento
humano, armónico, respetuoso e igualitario. En su multiplicidad de formas, ya sea
a través de la investigación, la edición y la yuxtaposición, del dibujo, de la escultura,
de la instalación, o de la imagen provocadora o sutil, el ejercicio del arte pone al
frente el valor de aprender a través de los sentidos atentos de la mirada, del oído,
del tacto para reactivar nuestro más profundo sentido del tiempo, del equilibrio
y de la escucha en tanto voluntad de comprensión.

Durante las próximas tres semanas, el Museo Moderno dará visibilidad a un grupo
de artistas argentinos e internacionales que, o bien revelan y señalan a través de
sus obras las tramas histórico-sociales que explican la emergencia, o bien proponen
micro-políticas estéticas para colaborar en el redireccionamiento de las políticas
ambientales. Como dijo el artista argentino Nicolás García Uriburu, pionero en
trazar el vínculo entre el arte y la ecología: "Estamos a tiempo de rectificar nuestros
errores, cuidar nuestro entorno y ser más dignos de vivir en nuestro maravilloso
planeta".

Nicolás García Uriburu
Yo denuncio con mi arte

  
   

Graciela Borges presenta una selección de textos manuscritos de su gran amigo,
el artista Nicolás García Uriburu. Con su voz inconfundible nos acerca el pensamiento
que guió las acciones, las imágenes y las luchas del artista argentino. Fuertemente
marcado por la necesidad de dar visibilidad a la problemática ambiental de las aguas
y de los bosques con obras como la coloración del Gran Canal de Venecia en 1968,
García Uriburu se convirtió en uno de los primeros artistas latinoamericanos en
inaugurar y profundizar el vínculo entre arte y ecología.

De todas las imágenes: © Nicolás García Uriburu, reproducido bajo permiso

Virginia Buitrón
Elogio de la lentitud

 
 

Virginia Buitrón (Quilmes, Argentina, 1977) lleva más de cinco años trabajando
con distintos seres vivos no humanos y organismos naturales. Al observar de
cerca y estudiar con atención los desechos orgánicos que forman parte del
compostaje, Buitrón descubrió un hábitat interesante, lleno de vida, desde
donde intenta comprender artísticamente la vida natural más allá del
antropocentrismo. Con sus dibujos, realizados a partir de la acción de larvas
de la especie Hermetia Illucens, Buitrón subraya el acto creativo que anida
hasta en los más ínfimos participantes del ecosistema. En esta pieza audiovisual
la artista narra los entretelones sentimentales y conceptuales de su vínculo con
los distintos componentes naturales que eligió para producir su obra y así devela
la trama interespecie que debemos cuidar para vivir un futuro sustentable.

Jimena Croceri
Cascada

Jimena Croceri comparte con el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires sus reflexiones
sobre Cascada, una acción que viene ensayando en distintas locaciones y que tuvo lugar,
por última vez, en el Jardín Botánico de la ciudad de Berna en 2019 con participación de
visitantes ocasionales al jardín. Durante la acción, el agua es sostenida y desplazada; los
cuerpos, refrescados. Según Croceri, “todo partió de un interés muy intuitivo en
contemplar, trabajar y querer estar cerca de este elemento aparentemente manso, pero
en verdad activo y transformador: todo lo anima. Me interesaron desde el principio sus
poderes morfogenéticos, su capacidad de desplegar formas por sí misma”. Mientras
observamos imágenes de este ejercicio que recupera el tacto como acción positiva y de
conexión, la artista trae con sus palabras referencias a las investigaciones de Astrida
Neimanis y a conversaciones sostenidas con miembros de la comunidad mapuche que
señalan el carácter sagrado de las aguas, y las hilvana con sus propias reflexiones en un
gesto que tiene algo de bálsamo, algo de juego y algo del poder de descubrimiento que trae
la evocación.

Carlos Ginzburg
Arte, ecología y futuro

Desde París, el artista argentino Carlos Ginzburg (La Plata, Argentina, 1946) mantuvo
una conversación con el Museo Moderno para comentar los vínculos entre sus obras
más emblemáticas de los años 70 y sus instalaciones y performances de los últimos
años. En un diálogo profundo, el artista narra las distintas formas en que la preocupación
por la ecología y la urgencia temporal de la crisis climática se entrelazaron en sus obras
durante más de cincuenta años de trayectoria. Así, desde sus primeros señalamientos
urbanos hasta su más reciente instalación Post-madre tierra, Carlos Ginzburg nos abre
las puertas de su pensamiento y de su metodología artística en un contexto de
emergencia que es necesario subrayar y detener.

Laura Glusman
Ambá. Una especie de paraíso

   

El video Ambá. Una especie de paraíso (2010) presenta, en paralelo, una memoria
visual y otra, de ensueño y reflexión sobre la expedición científico-cultural Paraná
Ra'anga, realizada en 2010. Ese proyecto interdisciplinario reunió a una treintena de
artistas, escritores, geógrafos, historiadores, músicos y científicos para remontar los ríos
de la Plata, Paraná y Paraguay desde Buenos Aires hasta Asunción del Paraguay con
el objetivo de repensar la figura del río en un momento de cambio, ya que la inminente
construcción de la hidrovía Paraná-Paraguay amenazaba con cambiar el río para siempre.
Laura Glusman fue parte de la tripulación y filmó la costa del río a medida que avanzaban
en un largo y sereno travelling. También registró los testimonios de sus compañeros
expedicionarios quienes contaron cómo imaginaban el futuro del ecosistema paranaense.
Su film resulta así en la yuxtaposición de ese presente filmado y ese futuro imaginado:
dos formas del río capaces de ser reunidas y contrapuestas en la mente del espectador.
A diez años de ese viaje, cuando la realidad parece incluso superar toda proyección
y resulta inevitable traer a la reflexión las imágenes de este paisaje en llamas que nos han
traído los últimos meses, Ambá se nos presenta no solo como su memoria, sino también
como un nuevo llamado de atención.

Matías Duville
Una línea al infinito

Con esta compilación audiovisual de videos, registros de instalaciones, imágenes de
sus dibujos y pinturas, el artista argentino Matías Duville (Buenos Aires, 1974) nos
invita a recorrer los paisajes desolados y en permanente estado de transformación
que explora en su obra. Señales de cataclismos, ellos nos hacen sentir a flor de piel la
fuerza de la naturaleza, de sus reacciones y movimientos; recuperan su carácter
sublime y poderoso, capaz de imponer temor, ante los que la agencia humana se ve

  
   

volátil y empequeñecida. Hilvanadas por un seductor paisaje sonoro, las imágenes
recuerdan la capacidad de la tierra de mutar y de reinventarse una vez atravesadas las
catástrofes -un poder infinitamente superior al de nuestra especie-. Y exploran, a su vez,
los vínculos que establecemos con ella: de fallida dominación, por un lado; pero también
de posibles armonías que percibimos en visiones psicodélicas. Entre el videoclip y el
laboratorio de ideas, Duville vuelca en esta “línea al infinito” -el nombre de esta
propuesta que remite al tiempo y al elemento primordial del dibujo que es motor de su
obra- trabajos producidos en los últimos quince años en Argentina y en el exterior y que
ha exhibido en instituciones de Francia, Brasil o los Estados Unidos.

Sus más recientes proyectos e exhibiciones incluyen Desert means ocean (MOLAA,
Los Angeles, 2019); The Valise Project (MoMA, Nueva York, 2017); Mutações (MAM, Río
de Janeiro, 2015); Safari (Malba, Buenos Aires, 2013) y Alaska (Drawing Center, Nueva
York, 2013). Su obra forma parte de las colecciones del MoMA, Nueva York; Tate,
Londres; Centro Nacional de Arte Reina Sofía, Madrid; Solomon R. Guggenheim
Museum, Nueva York; Colección Patricia Phelps de Cisneros; y del Museo de Arte
Moderno de Buenos Aires, entre otras.

Florencia Levy
Lugar fósil

  
  

Los relatos y las imágenes de Lugar fósil diluyen las referencias temporales y son
un estímulo para pensar en un cambio necesario.A través de diversos testimonios
sobre fenómenos ambientales y económicos -acontecidos en distintas ciudades de
China en los últimos cuarenta años- la pieza audiovisual de Florencia Levy
construye una narración distópica donde lo que vemos y escuchamos se puede
reconocer como un presente urgente y un futuro cercano al mismo tiempo.

La obra recibió en marzo de 2020 el Premio Adquisición Trabucco Otros Soportes,
organizado por la Academia Nacional de Bellas Artes y está en proceso de
donación.

Florencia Levy (Buenos Aires, 1979) estudió en el Central Saint Martins College of Arts de Londres
y en la Universidad Nacional de Artes de Buenos Aires. Su práctica se impulsa a partir de
investigaciones a largo plazo que exploran diferentes formas de subjetividades en relación a la historia,
la arquitectura y el espacio público. Ha realizado residencias artísticas en Estados Unidos, Taiwán,
China, Israel y Cuba, entre otros países. Sus obras fueron exhibidas en el Museo de Arte Moderno de
Moscú, Arko Art Center de Seúl, Corea del Sur y en el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago de
Chile. Este año recibió la beca Pollock-Krasner Foundation y fue galardonada con el Premio Trabucco
Otros Soportes de la Academia Nacional de Bellas Artes.
Eco visita

Te proponemos una visita guiada virtual por obras de Nicolás García Uriburu,
Victor Grippo, Emilio Renart y Florencia Bohtlingk que han sido exhibidas en el
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.

Lecturas fantásticas

Re-parar
Propuestas para trabajar en el aula o en casa

Actividad dirigida a docentes de nivel primario

Desde el museo los invitamos a realizar la siguiente actividad que propone promover
nuevas miradas sobre objetos olvidados o en desuso.

1 - Buscá, entre objetos que encuentres en tu casa, uno que guardes y que ya no tiene
utilidad (por ejemplo, un jarrón o un plato roto, el recuerdo de un viaje, una prenda de vestir,
etcétera).
2 - En una hoja, diseñá tu proyecto. Pensá en las maneras posibles de intervenir tu objeto
para darle un nuevo sentido: podés escribir sobre él, bordar, coser, inclusive exagerar o
señalar una rotura con la técnica que prefieras. Anotá frases. Hacé dibujos de este proyecto
y sus posibles transformaciones. La idea es que disfrutes del proceso.
3 - ¿En qué nuevo objeto se transformó tu pieza?
4 - Proponé un nombre para tu objeto que relacione la obra con su nuevo uso.
5 - Compartí tu proyecto con nosotros. Podés subir la foto de tu proyectos a IG
y etiquetar al museo.

Educación
Rizoma 3
Cuaderno de arte y pensamiento para personas mayores

En consonancia con los postulados de igualdad de género que forman parte de los
objetivos de desarrollo sostenible de la Organización de las Naciones Unidas, los
invitamos a conocer a algunas de las artistas mujeres de la colección del museo
poniendo en movimiento el cuerpo, la mente y la imaginación con Rizoma, nuestro
cuaderno de arte y pensamiento pensado para personas mayores.

Hacé click sobre la imgen para acceder al cuadernillo.

Rizoma 3